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El techo de la Capilla Sixtina se abre al público

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El techo de la Capilla Sixtina de Roma, una de las mejores obras del artista italiano Miguel Ángel, se exhibe al público por primera vez.

Michelangelo Buonarroti, el más grande de los artistas del Renacimiento italiano, nació en el pequeño pueblo de Caprese en 1475. Hijo de un administrador del gobierno, creció en Florencia, un centro del movimiento del Renacimiento temprano, y se convirtió en aprendiz de artista a la edad 13. Demostrando un talento evidente, fue tomado bajo el ala de Lorenzo de 'Medici, el gobernante de la república florentina y un gran mecenas de las artes. Después de demostrar su dominio de la escultura en obras como la Piedad (1498) y David (1504), fue llamado a Roma en 1508 para pintar el techo de la Capilla Sixtina, el principal espacio consagrado del Vaticano.

Los épicos frescos del techo de Miguel Ángel, que tardaron varios años en completarse, se encuentran entre sus obras más memorables. En el centro de un complejo sistema de decoración con numerosas figuras se encuentran nueve paneles dedicados a la historia bíblica mundial. El más famoso de estos es La creación de Adán, una pintura en la que los brazos de Dios y Adán se estiran el uno hacia el otro. En 1512, Miguel Ángel completó el trabajo.

Después de 15 años como arquitecto en Florencia, Miguel Ángel regresó a Roma en 1534, donde trabajaría y viviría el resto de su vida. Ese año vio su pintura de la El Juicio Final en la pared sobre el altar de la Capilla Sixtina del Papa Pablo III. La enorme pintura representa la condenación de los pecadores por parte de Cristo y la bendición de los virtuosos y se considera una obra maestra del manierismo primitivo.

Miguel Ángel trabajó hasta su muerte en 1564 a la edad de 88 años. Además de sus principales obras artísticas, produjo muchas otras esculturas, frescos, diseños arquitectónicos y dibujos, muchos de los cuales están inacabados y algunos se han perdido. Durante su vida, fue celebrado como el artista vivo más grande de Europa, y hoy se le considera uno de los más grandes artistas de todos los tiempos, tan exaltado en las artes visuales como William Shakespeare en la literatura o Ludwig van Beethoven en la música.

LEER MÁS: 9 cosas que quizás no sepas sobre Miguel Ángel


Historia Bytez

En este día & # 8211 1 de noviembre de 1512

El Papa Julio II celebró la misa del Día de Todos los Santos en la Capilla Sixtina permitiendo al público ver el techo pintado por Miguel Ángel por primera vez.

Miguel Ángel tardó al menos 4 años en completar la Capilla Sixtina y el techo # 8217s. Originalmente recibió el encargo de pintar a los doce apóstoles, pero negoció con el Papa para pintar una obra mucho más ambiciosa que representa nueve historias tomadas del Génesis, además de figuras decorativas y profetas del Antiguo Testamento.

  1. La separación de la luz y la oscuridad
  2. La creación del sol, la luna y la tierra
  3. La separación de tierra y agua
  4. La creación de Adán
  5. La creación de Eva
  6. La tentación y la expulsión
  7. El sacrificio de Noé
  8. El gran diluvio
  9. La embriaguez de Noé

Miguel Ángel, que era principalmente escultor, inicialmente se mostró reacio a aceptar este encargo, pero aparentemente fue presionado para aceptar, con el contrato firmado el 10 de mayo de 1508. Al parecer, el artista y su patrocinador, el Papa Julio II, discutieron sobre la obra, y el Papa exigió a Miguel Ángel terminar más rápido.

La obra ha sido considerada una obra maestra desde que fue presentada al público. Miguel Ángel regresó a la Capilla Sixtina más tarde a pedido del Papa Pablo III para pintar el juicio final detrás del altar.


Contenido

Si bien se conoce como la ubicación de los cónclaves papales, la función principal de la Capilla Sixtina es como la capilla de la Capilla Papal (Cappella Pontificia), uno de los dos cuerpos de la casa papal, llamado hasta 1968 el Corte papal (Pontificalis Aula). En la época del Papa Sixto IV a fines del siglo XV, la Capilla Papal estaba compuesta por unas 200 personas, incluidos clérigos, funcionarios del Vaticano y laicos distinguidos. Hubo 50 ocasiones durante el año en las que el Calendario Papal prescribió que se reuniera toda la Capilla Papal. [8] De estas 50 ocasiones, 35 fueron misas, de las cuales 8 se llevaron a cabo en Basílicas, en general San Pedro, a las que asistieron numerosas congregaciones. Estos incluyeron las misas del día de Navidad y Pascua, en las que el mismo Papa fue el celebrante. Las otras 27 misas podrían celebrarse en un espacio más pequeño y menos público, para lo cual el Cappella Maggiore se utilizó antes de que se reconstruyera en el mismo sitio que la Capilla Sixtina.

los Cappella Maggiore Derivó su nombre, la Capilla Mayor, del hecho de que había otra capilla también en uso por el Papa y su séquito para el culto diario. En la época del Papa Sixto IV, esta era la Capilla del Papa Nicolás V, que había sido decorada por Fra Angelico. los Cappella Maggiore se registra como existente en 1368. Según una comunicación de Andreas de Trebisonda al Papa Sixto IV, en el momento de su demolición para dar paso a la capilla actual, el Cappella Maggiore estaba en un estado ruinoso con sus paredes inclinadas. [9]

La actual capilla, en el sitio de la Cappella Maggiore, fue diseñado por Baccio Pontelli para el Papa Sixto IV, de quien lleva el nombre, y construido bajo la supervisión de Giovannino de Dolci entre 1473 y 1481. [1] Las proporciones de la capilla actual parecen seguir de cerca las del original. Después de su finalización, la capilla fue decorada con frescos de varios de los artistas más famosos del Alto Renacimiento, incluidos Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Pietro Perugino y Miguel Ángel. [9]

La primera misa en la Capilla Sixtina se celebró el 15 de agosto de 1483, fiesta de la Asunción, ceremonia en la que se consagró y dedicó la capilla a la Virgen María. [10]

La Capilla Sixtina ha mantenido su función hasta el día de hoy y continúa albergando los importantes servicios del Calendario Papal, a menos que el Papa esté viajando. Existe un coro permanente, el Coro de la Capilla Sixtina, para quien se ha escrito mucha música original, siendo la pieza más famosa la de Gregorio Allegri. miserere. [11]

Cónclave papal editar

Una de las funciones de la Capilla Sixtina es ser un lugar para la elección de cada Papa sucesivo en un cónclave del Colegio Cardenalicio. Con motivo de un cónclave, se instala una chimenea en el techo de la capilla, de la que surge el humo como señal. Si aparece humo blanco, que se crea al quemar las papeletas de las elecciones, se ha elegido un nuevo Papa. Si ningún candidato recibe los dos tercios de los votos requeridos, los cardenales emiten humo negro, creado al quemar las boletas junto con paja húmeda y aditivos químicos, significa que aún no se han realizado elecciones exitosas. [12]

El primer cónclave papal que se celebró en la Capilla Sixtina fue el cónclave de 1492, que tuvo lugar del 6 al 11 de agosto del mismo año y en el que fue elegido el Papa Alejandro VI, también conocido como Rodrigo Borja.

El cónclave también proporcionó a los cardenales un espacio en el que podían escuchar misa, y en el que podían comer, dormir y pasar el tiempo atendidos por los sirvientes. Desde 1455, se han celebrado cónclaves en el Vaticano hasta el Gran Cisma, se llevaron a cabo en el convento dominico de Santa Maria sopra Minerva. [13] Desde 1996, la Constitución Apostólica de Juan Pablo II Universi Dominici gregis requiere que los cardenales se alojen en la Domus Sanctae Marthae durante un cónclave papal, pero que continúen votando en la Capilla Sixtina. [14]

Las marquesinas para cada cardenal elector alguna vez se usaron durante los cónclaves, un signo de igual dignidad. Después de que el nuevo Papa aceptara su elección, daría su nuevo nombre en este momento, los otros cardenales tirarían de una cuerda atada a sus asientos para bajar sus marquesinas. Hasta las reformas instituidas por San Pío X, las marquesinas eran de diferentes colores para designar qué cardenales habían sido nombrados por qué Papa. Pablo VI abolió las marquesinas por completo, ya que, bajo su papado, la población del Colegio Cardenalicio había aumentado tanto que debían estar sentados en filas de dos contra las paredes, haciendo que las marquesinas obstruyeran la vista de la ciudad. cardenales en la última fila. A raíz de un cónclave que tiene lugar para preservar la integridad del piso de mármol de la Capilla Sixtina, los carpinteros instalan un piso de madera ligeramente elevado junto a una rampa de madera en la entrada para aquellos cardenales que por una razón u otra necesitan ser transportados en un silla de ruedas.

Estructura Editar

La capilla es un edificio rectangular alto, cuyas medidas absolutas son difíciles de determinar, ya que las medidas disponibles son para el interior: 40,9 metros (134 pies) de largo por 13,4 metros (44 pies) de ancho.

Su exterior está desprovisto de detalles arquitectónicos o decorativos, como es común en muchas iglesias italianas de las épocas medieval y renacentista. No tiene fachada exterior ni puertas procesionales exteriores, ya que la entrada siempre ha sido desde las habitaciones internas del Palacio Apostólico (Palacio Papal), y el exterior solo se puede ver desde las ventanas cercanas y los pozos de luz del palacio. El hundimiento y el agrietamiento de la mampostería, como también debió afectar a la Cappella Maggiore, requirió la construcción de contrafuertes muy grandes para apuntalar las paredes exteriores. La acumulación de otros edificios ha alterado aún más el aspecto exterior de la capilla.

El edificio se divide en tres pisos, de los cuales el más bajo es un sótano muy alto con varias ventanas utilitarias y una entrada que da al patio exterior. Internamente, el sótano está fuertemente abovedado para sostener la capilla. Arriba está el espacio principal, la Capilla Sixtina, el techo abovedado que se eleva a 20,7 metros (68 pies). El edificio tenía seis ventanas altas en arco a cada lado y dos a cada extremo, varias de las cuales han sido bloqueadas. Sobre la bóveda hay un tercer piso con salas de guardia para los guardias. En este nivel se construyó una pasarela abierta en voladizo, que circundaba el edificio apoyado en una arcada que brotaba de los muros. La pasarela ha sido techada ya que era una fuente continua de agua que se filtraba hacia la bóveda de la capilla.

Interior de la Capilla Sixtina Editar

Las proporciones generales de la capilla utilizan la longitud como unidad de medida. Esto se ha dividido por tres para obtener el ancho y por dos para obtener la altura. Manteniendo la proporción, había seis ventanas a cada lado y dos a cada extremo. Las proporciones definidas eran una característica de la arquitectura renacentista y reflejaban el creciente interés por la herencia clásica de Roma.

El techo de la capilla es una bóveda de cañón aplanada que surge de un curso que rodea los muros al nivel del salto de los arcos de las ventanas. Esta bóveda de cañón está cortada transversalmente por bóvedas más pequeñas sobre cada ventana, que dividen la bóveda de cañón en su nivel más bajo en una serie de pechinas grandes que se elevan desde pilastras poco profundas entre cada ventana. La bóveda de cañón fue originalmente pintada de azul brillante y salpicada de estrellas doradas, según el diseño de Piermatteo Lauro de 'Manfredi da Amelia. [9] El pavimento es de opus alexandrinum, un estilo decorativo que utiliza mármol y piedra coloreada en un patrón que refleja la proporción anterior en la división del interior y también marca el camino procesional desde la puerta principal, utilizada por el Papa en ocasiones importantes. como el Domingo de Ramos.

Una pantalla o transenna en mármol de Mino da Fiesole, Andrea Bregno y Giovanni Dalmata divide la capilla en dos partes. [15] Originalmente, estos hacían el mismo espacio para los miembros de la Capilla Papal dentro del santuario cerca del altar y los peregrinos y la gente del pueblo afuera. Sin embargo, con el crecimiento en el número de asistentes al Papa, la pantalla se movió dando un área reducida para los fieles laicos. los transenna está coronada por una hilera de candelabros ornamentados, una vez dorados, y tiene una puerta de madera, donde antes había una puerta ornamentada de hierro forjado dorado. Los escultores de la transenna también proporcionó el cantoria o galería de coro proyectante.

Historia Editar

La primera etapa en la decoración de la Capilla Sixtina fue la pintura del techo en azul, tachonado de estrellas doradas, [9] y con cenefas decorativas alrededor de los detalles arquitectónicos de las pechinas. Esto fue reemplazado por completo cuando Miguel Ángel se puso a trabajar en el techo en 1508.

Del esquema actual de frescos, la parte más antigua es la de las paredes laterales. Están divididos en tres niveles principales. El nivel central de las paredes tiene dos ciclos de pinturas, que se complementan, La vida de Moisés y La vida de cristo. Fueron encargados en 1480 por el Papa Sixto IV y ejecutados por Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Cosimo Rosselli y sus talleres. Originalmente corrían alrededor de las paredes, pero desde entonces han sido reemplazadas en ambas paredes de los extremos.

El proyecto fue quizás supervisado por Perugino, que llegó a la capilla antes que los florentinos. Es probable que el encargo de Ghirlandaio, Botticelli y Roselli fuera parte de un proyecto de reconciliación entre Lorenzo de 'Medici, el de facto gobernante de Florencia y el Papa Sixto IV. Los florentinos comenzaron a trabajar en la Capilla Sixtina en la primavera de 1481.

Debajo de los ciclos de La vida de Moisés y La vida de cristo, el nivel inferior de las paredes está decorado con tapices con frescos en plata y oro. Sobre los frescos narrativos, el nivel superior se divide en dos zonas. En el nivel inferior de las ventanas hay una Galería de Papas pintado al mismo tiempo que el Vidas. Alrededor de la parte superior arqueada de las ventanas hay áreas conocidas como lunetas que contienen el Antepasados ​​de cristo, pintado por Miguel Ángel como parte del esquema del techo.

El techo fue encargado por el Papa Julio II y pintado por Miguel Ángel entre 1508 y 1512. El encargo fue originalmente pintar a los doce apóstoles en las pechinas triangulares que sostienen la bóveda, sin embargo, Miguel Ángel exigió mano libre en el contenido pictórico del esquema. Pintó una serie de nueve imágenes que muestran La creación del mundo por Dios, La relación de Dios con la humanidad, y La caída de la humanidad de la gracia de Dios. En las grandes pechinas pintó a doce hombres y mujeres bíblicos y clásicos que profetizaron que Dios enviaría a Jesucristo para la salvación de la humanidad, y alrededor de las partes superiores de las ventanas, el Antepasados ​​de cristo.

En 1515, el Papa León X le encargó a Rafael que diseñara una serie de diez tapices para colgar en el nivel inferior de las paredes. [16] Los tapices representan eventos del Vida de San Pedro y el Vida de San Pablo, los fundadores de la Iglesia cristiana en Roma, como se describe en los Evangelios y los Hechos de los Apóstoles. El trabajo comenzó a mediados de 1515. Debido a su gran tamaño, la fabricación de los tapices se llevó a cabo en Bruselas y llevó cuatro años a cargo de los tejedores del taller de Pieter van Aelst. [17] Los tapices de Rafael fueron saqueados durante el Saqueo de Roma en 1527 y fueron quemados por su contenido de metales preciosos o fueron esparcidos por Europa. A finales del siglo XX, se volvió a montar un conjunto a partir de varios conjuntos adicionales que se habían realizado después del primer conjunto, y se volvió a exhibir en la Capilla Sixtina en 1983. Los tapices continúan en uso en ceremonias ocasionales de particular importancia. Las caricaturas preparatorias de tamaño completo para siete de los diez tapices se conocen como las caricaturas de Raphael y están en Londres. [18]

En este punto, el esquema decorativo mostró un patrón iconográfico consistente. El nivel de Papas, que, en el esquema propuesto por el Papa Julio, habría aparecido inmediatamente debajo de los Doce Apóstoles, habría enfatizado la sucesión apostólica. Se ha argumentado que el esquema actual muestra los dos Testamentos bíblicos fusionados para revelar el Antiguo prediciendo y enmarcando el Nuevo, sintetizando la lógica de la Biblia cristiana. [19]

Esto fue interrumpido por una nueva comisión a Miguel Ángel de decorar la pared sobre el altar con El Juicio Final, 1537-1541. La pintura de esta escena requirió la eliminación de dos episodios del Vidas, los Natividad de jesus y el Hallazgo de Moisés varios de los Papas y dos juegos de Antepasados.


Este día en la historia: 1 de noviembre de 1512: el techo de la Capilla Sixtina se abre al público

El techo de la Capilla Sixtina de Roma, una de las mejores obras del artista italiano Miguel Ángel, se exhibe al público por primera vez.

Michelangelo Buonarroti, el más grande de los artistas del Renacimiento italiano, nació en el pequeño pueblo de Caprese en 1475. Hijo de un administrador del gobierno, creció en Florencia, un centro del movimiento del Renacimiento temprano, y se convirtió en aprendiz de artista a la edad. 13. Demostrando un talento evidente, fue tomado bajo el ala de Lorenzo de 'Medici, el gobernante de la república florentina y un gran mecenas de las artes. Después de demostrar su dominio de la escultura en obras como la Piedad (1498) y David (1504), fue llamado a Roma en 1508 para pintar el techo de la Capilla Sixtina, el principal espacio consagrado en el Vaticano.

Los épicos frescos del techo de Miguel Ángel, que tardaron varios años en completarse, se encuentran entre sus obras más memorables. En el centro de un complejo sistema de decoración con numerosas figuras se encuentran nueve paneles dedicados a la historia bíblica mundial. El más famoso de ellos es La creación de Adán, una pintura en la que los brazos de Dios y Adán se estiran el uno hacia el otro. En 1512, Miguel Ángel completó el trabajo.

Después de 15 años como arquitecto en Florencia, Miguel Ángel regresó a Roma en 1534, donde trabajaría y viviría el resto de su vida. Ese año vio su pintura del Juicio Final en la pared sobre el altar en la Capilla Sixtina para el Papa Pablo III. La enorme pintura representa la condenación de los pecadores por parte de Cristo y la bendición de los virtuosos y se considera una obra maestra del manierismo primitivo.

Miguel Ángel trabajó hasta su muerte en 1564 a la edad de 88 años. Además de sus principales obras artísticas, produjo muchas otras esculturas, frescos, diseños arquitectónicos y dibujos, muchos de los cuales están inacabados y algunos se han perdido. En su vida, fue celebrado como el artista vivo más grande de Europa, y hoy se le considera uno de los más grandes artistas de todos los tiempos, tan exaltado en las artes visuales como William Shakespeare en la literatura o Ludwig van Beethoven en la música.


Contenido

La pintura del techo original era de Pier Matteo d'Amelia, y había representado estrellas sobre un fondo azul [5] como el techo de la Capilla Arena decorada por Giotto en Padua. [6] Durante seis meses en 1504, una grieta diagonal en la bóveda de la Capilla Sixtina había inutilizado la capilla, y el Papa Julio II (Giuliano della Rovere) hizo que se retirara la pintura dañada. [5]

El Papa Julio II fue un "papa guerrero" [7] que en su papado emprendió una agresiva campaña de control político para unir y empoderar a Italia bajo el liderazgo de la Iglesia. Invirtió en simbolismo para mostrar su poder temporal, como su procesión (a la manera clásica), en la que montó un carro a través de un arco triunfal después de una de sus muchas victorias militares. Fue Julio quien inició la reconstrucción de la Basílica de San Pedro en 1506, como el símbolo más potente de la fuente del poder papal. [8]

Miguel Ángel dejó el Batalla de Cascina inconclusa cuando el Papa Julio II lo convocó a Roma en la primavera de 1505 y le encargó que hiciera su tumba en la Basílica de San Pedro. [11] [12] [13] Miguel Ángel y el Papa Julio tenían ambos temperamentos calientes y pronto discutieron. [12] [13] Como escribió Walter Pater, "Miguel Ángel tenía ahora treinta años y su reputación estaba establecida. Tres grandes obras llenan el resto de su vida: tres obras a menudo interrumpidas, llevadas a cabo a través de mil vacilaciones, mil decepciones , pelea con sus patrones, pelea con su familia, pelea quizás sobre todo consigo mismo: la Capilla Sixtina, el Mausoleo de Julio II y la Sacristía de San Lorenzo ". [14] El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel salió de Roma en secreto para ir a Florencia, permaneciendo allí hasta que el gobierno florentino lo presionó para que regresara al Papa. [13] En noviembre de 1506 fue a Bolonia y construyó una colosal estatua de bronce del Papa conquistando a los boloñeses. [13] (Los boloñeses destruyeron el bronce en 1511.) [13] El proyecto de la tumba papal se dejó a un lado en silencio, [9] para ser revitalizado por la familia Della Rovere después de su muerte. [12] [13]

En 1506 Julio II comenzó a reconstruir la Basílica de San Pedro, lo que llamó su atención y en febrero de 1513, cuando murió, se había realizado poco trabajo en su tumba. [15] [11] [12] Había sido un gran encargo, con 40 grandes figuras para tallar. [12] Su diseño original nunca se inició. [13] Finalmente, Miguel Ángel terminó solo tres figuras para el monumento terminado de 1545, se redujo sucesivamente a una serie de diseños más modestos y se construyó finalmente en la Iglesia de San Pietro. en Vincoli, incluyendo la estatua c.1515 de Moisés. [15] [12] [11] Dos Esclavos, los Esclavo barbudo y el Joven esclavo, c.1513, se encuentran en el Louvre. [15] [11] [12] La comisión de la tumba duró décadas, y Miguel Ángel se lamentó: "He desperdiciado toda mi juventud encadenado a esta tumba". [15] [11] Ascanio Condivi describió el asunto como la "Tragedia de la Tumba". [13]

En 1506 el Papa Julio concibió un programa para pintar el techo de la Capilla Sixtina. [dieciséis] [ página necesaria ] Las paredes de la capilla habían sido decoradas 20 años antes. El más bajo de los tres niveles está pintado para parecerse a cortinas drapeadas y se colgó (y a veces todavía lo está) en ocasiones especiales con un juego de tapices diseñados por Raphael. El nivel medio contiene un complejo esquema de frescos que ilustran el Vida de cristo en el lado derecho y el Vida de Moisés En el lado izquierdo. Fue realizado por algunos de los pintores renacentistas más reconocidos: Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio, Signorelli y Cosimo Rosselli. [17] El nivel superior de las paredes contiene las ventanas, entre las cuales se encuentran pares pintados de nichos ilusionistas con representaciones de los primeros 32 papas. [18] Es probable que, debido a que la capilla era el lugar de reuniones y misas regulares de un cuerpo de funcionarios de élite conocido como la Capilla Papal (que observarían las decoraciones e interpretarían su significado teológico y temporal), fuera el Papa Julio intención y expectativa de que la iconografía del techo se leyera con muchas capas de significado. [19]

El esquema propuesto por el Papa era que doce grandes figuras de los Apóstoles ocuparan las pechinas. [20] [21] Sin embargo, Miguel Ángel negoció un esquema mucho más grande y complejo y finalmente se le permitió, en sus propias palabras, "hacer lo que quisiera". [22] [a] Se ha sugerido que el fraile y cardenal agustino, Giles de Viterbo, fue un consultor para el aspecto teológico de la obra. [23] [ página necesaria ] Muchos escritores consideran que Miguel Ángel tenía el intelecto, el conocimiento bíblico y los poderes de invención para haber ideado el esquema él mismo. Esto está respaldado por la declaración de Ascanio Condivi de que Miguel Ángel leyó y releyó el Antiguo Testamento mientras pintaba el techo, inspirándose en las palabras de las Escrituras, en lugar de en las tradiciones establecidas del arte sacro. [24]

En la primavera de 1508, Miguel Ángel regresó a Roma para trabajar en un ciclo de frescos en la bóveda y las paredes superiores de la Capilla Sixtina. [12] [13] Miguel Ángel, que no era principalmente un pintor sino un escultor, se mostró reacio a asumir el trabajo y sugirió que su joven rival Rafael lo hiciera en su lugar. [25] [26] El Papa fue inflexible, dejando a Miguel Ángel sin más remedio que aceptar. [27] [ página necesaria ] El contrato se firmó el 8 de mayo de 1508, con una tarifa prometida de 3.000 ducados. [28] Miguel Ángel inicialmente buscó contratar asistentes para acelerar el trabajo oneroso y no deseado tan rápido como pudo, pero no pudo encontrar candidatos adecuados y pintó casi todo el techo solo. [13] Entre los artistas florentinos que Miguel Ángel trajo a Roma con la esperanza de ayudar en el fresco, Giorgio Vasari nombró a Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Jacopo di Sandro, l'Indaco el Viejo, Agnolo di Domenico y Aristotile. [29]

Miguel Ángel comenzó a trabajar en la primavera de 1508, comenzando en el extremo oeste con el Embriaguez de Noé y el Profeta Zacarías y trabajando hacia atrás a través de la narrativa hasta el Creación de Eva, en el quinto tramo de la bóveda y terminado en septiembre de 1510. [13] La primera mitad del techo se inauguró oficialmente el 15 de agosto de 1511 y se produjo una larga pausa en la pintura cuando se prepararon nuevos andamios. [13] Posteriormente, la segunda mitad de los frescos del techo se realizó rápidamente, y después de una muestra preliminar y una misa papal el 14 de agosto de 1511, [16] [27] el trabajo terminado se reveló el 31 de octubre de 1512, la víspera de Todos los Santos, [ 13] [12] que se muestra al público al día siguiente, Día de Todos los Santos. El esquema final de Miguel Ángel para el techo incluía unas trescientas figuras. [ cita necesaria ]

Después de la revelación del techo terminado de la Capilla Sixtina a la edad de 37 años, la reputación de Miguel Ángel aumentó de tal manera que se llamó Miguel Ángel. il divino. [12] [13] A partir de entonces, Miguel Ángel fue reconocido como el artista más grande de su tiempo, que había elevado el estatus de las artes mismas, un reconocimiento que duró el resto de su larga vida, y su techo Sixtina siempre ha contado desde entonces. entre las "obras maestras supremas del arte pictórico". [11] [13] [15]

Los frescos de Miguel Ángel forman la historia de fondo de los ciclos narrativos del siglo XV de las vidas de Moisés y Cristo por Perugio y Botticelli en las paredes de la Capilla. [11] [15] Si bien las escenas centrales principales representan incidentes en el Libro del Génesis, existe mucho debate sobre la interpretación exacta de la multitud de cifras. [15] [11] El techo de la Capilla Sixtina es una bóveda de cañón poco profunda de unos 35 m (118 pies) de largo y unos 14 m (46 pies) de ancho. [13] Las ventanas de la Capilla cortan la curva de la bóveda, produciendo una fila de lunetas que alternan con enjutas. [13]

Aunque Miguel Ángel afirmó que eventualmente tuvo libertad de acción en el esquema artístico, Lorenzo Ghiberti también hizo esta afirmación sobre sus monumentales puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia, por lo que se sabe que Ghiberti estaba limitado por estipulaciones sobre cómo debían las escenas del Antiguo Testamento. aparecer y fue capaz de decidir simplemente las formas y el número de los campos de imagen. Es probable que Miguel Ángel tuviera libertad para elegir las formas y la presentación del diseño, pero que los temas y los temas en sí mismos los decidía el patrón. [20]

El campo central, casi plano, del techo está delimitado por una cornisa arquitectónica ficticia y dividido en cuatro grandes rectángulos y cinco más pequeños por cinco pares de nervaduras pintadas que cortan lateralmente el campo rectangular central. Estos rectángulos, que aparecen abiertos al cielo, los pintó Miguel Ángel con escenas del Antiguo Testamento. [13]

La narración comienza en el extremo este de la Capilla, con la primera escena sobre el altar, foco de las ceremonias eucarísticas realizadas por el clero. El pequeño campo rectangular directamente sobre el altar representa el Acto de creación primordial. El último de los nueve campos centrales, en el extremo oeste, muestra el Embriaguez de Noé debajo de esta escena está la puerta utilizada por los laicos. [13] Más lejos del altar, el Embriaguez de Noé representa la naturaleza pecaminosa del hombre. [13]

Sobre la cornisa, en las cuatro esquinas de cada uno de los cinco campos centrales más pequeños, hay jóvenes varones desnudos, llamados Ignudi, cuyo significado preciso se desconoce. [13] [15] [11] Cerca de las escenas sagradas en el registro superior y, a diferencia de las figuras del registro inferior mostradas en perspectiva, no están acortadas. [13] Probablemente representan la visión de los neoplatónicos florentinos de la forma platónica ideal de la humanidad, sin la mancha del Pecado Original, al que todas las figuras inferiores están sujetas. [13] Kenneth Clark escribió que "su belleza física es una imagen de la perfección divina, sus movimientos alerta y vigorosos una expresión de energía divina". [31]

Debajo de la cornisa pintada alrededor del área rectangular central hay un registro inferior que representa una continuación de los muros de la Capilla como un marco arquitectónico trampantojo contra el que presionan las figuras, con un poderoso modelado. [13] Las figuras están drásticamente acortadas y a mayor escala que las figuras de las escenas centrales, "creando una sensación de desequilibrio espacial". [13]

El techo de las cuatro esquinas de la Capilla forma una enjuta doblada pintada con escenas salvíficas del Antiguo Testamento: La serpiente de bronce, La crucifixión de Amán, Judith y Holofernes, y David y Goliath. [13]

Cada uno de los arcos de las ventanas de la Capilla corta en la bóveda curva, creando encima de cada uno un área triangular de bóveda. El arco de cada ventana está separado de la siguiente por estas enjutas triangulares, en cada una de las cuales están entronizadas Profetas alternando con el Sibilas. [13] [15] [11] Estas figuras, siete profetas del Antiguo Testamento y cinco de las sibilas grecorromanas, fueron notables en la tradición cristiana por sus profecías del Mesías o la Natividad de Jesús. [13] Las lunetas sobre las ventanas están pintadas con escenas de lo "puramente humano". Antepasados ​​de cristo, al igual que los espacios a ambos lados de cada ventana. Su posición es la más baja en la bóveda y la más oscura, en contraste con la bóveda superior aireada. [13]

Interpretación Editar

El tema manifiesto del techo es la doctrina cristiana de la necesidad de la humanidad de la salvación ofrecida por Dios a través de Jesús. Es una metáfora visual de la necesidad de la humanidad de un pacto con Dios. El Antiguo Pacto de los Hijos de Israel a través de Moisés y el Nuevo Pacto a través de Cristo ya se habían representado alrededor de las paredes de la capilla. [3] Algunos expertos, incluidos Benjamin Blech y el historiador de arte del Vaticano Enrico Bruschini, también han señalado temas menos abiertos, que describen como "ocultos" y "prohibidos". [32] [ página necesaria ] [33] [ página necesaria ]

En las áreas en forma de media luna, o lunetas, sobre cada una de las ventanas de la capilla hay tablas que enumeran los antepasados ​​de Cristo y las figuras que lo acompañan. Sobre ellos, en las enjutas triangulares, se muestran otros ocho grupos de figuras, pero estos no han sido identificados con personajes bíblicos específicos. El esquema se completa con cuatro grandes pechinas en las esquinas, cada una de las cuales ilustra una dramática historia bíblica. [34]

Los elementos narrativos del techo ilustran que Dios hizo el mundo como una creación perfecta y puso a la humanidad en él, que la humanidad cayó en desgracia y fue castigada con la muerte y la separación de Dios. La humanidad luego se hundió aún más en el pecado y la desgracia, y fue castigada por el Gran Diluvio. A través de un linaje de antepasados, desde Abraham hasta José, Dios envió al salvador de la humanidad, Jesucristo. La venida del Salvador fue profetizada por los profetas de Israel y las sibilas del mundo clásico. Los diversos componentes del techo están vinculados a esta doctrina cristiana. [34] Tradicionalmente, el Antiguo Testamento se percibía como una prefiguración del Nuevo Testamento. Se entendía comúnmente que muchos incidentes y personajes del Antiguo Testamento tenían un vínculo simbólico directo con algún aspecto particular de la vida de Jesús o con un elemento importante de la doctrina cristiana o con un sacramento como el Bautismo o la Eucaristía. Jonás, por ejemplo, reconocible por su atributo de un gran pez, era comúnmente visto como símbolo de la muerte y resurrección de Jesús. [4] [ página necesaria ]

Gran parte del simbolismo del techo data de la iglesia primitiva, pero el techo también tiene elementos que expresan el pensamiento específicamente renacentista que buscaba reconciliar la teología cristiana con la filosofía del humanismo renacentista. [35] Durante el siglo XV en Italia, y en Florencia en particular, hubo un gran interés por la literatura clásica y las filosofías de Platón, Aristóteles y otros escritores clásicos. Miguel Ángel, cuando era joven, había pasado un tiempo en la Academia platónica establecida por la familia Medici en Florencia. Estaba familiarizado con las primeras obras escultóricas de inspiración humanista, como el bronce de Donatello. David y había respondido él mismo tallando el enorme mármol desnudo David, que se colocó en la Piazza della Signoria cerca del Palazzo Vecchio, la sede del consejo de Florencia. [36] La visión humanista de la humanidad era aquella en la que las personas respondían a otras personas, a la responsabilidad social ya Dios de manera directa, no a través de intermediarios, como la Iglesia. [37] Esto estaba en conflicto con el énfasis de la Iglesia. Mientras que la Iglesia enfatizó a la humanidad como esencialmente pecadora y defectuosa, el Humanismo enfatizó a la humanidad como potencialmente noble y hermosa. [ cita necesaria ] [b] Estos dos puntos de vista no eran necesariamente irreconciliables con la Iglesia, sino sólo a través del reconocimiento de que la única manera de lograr esta "elevación de espíritu, mente y cuerpo" era a través de la Iglesia como agente de Dios. Estar fuera de la Iglesia era estar más allá de la Salvación. En el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel presentó elementos católicos y humanistas de una manera que no parece visualmente conflictiva. The inclusion of "non-biblical" figures such as the Sibyls or Ignudi is consistent with the rationalising of Humanist and Christian thought of the Renaissance. This rationalisation was to become a target of the Counter Reformation. [ cita necesaria ]

The iconography of the ceiling has had various interpretations in the past, some elements of which have been contradicted by modern scholarship. [c] Others, such as the identity of the figures in the lunettes and spandrels, continue to defy interpretation. [38] Modern scholars have sought, as yet unsuccessfully, to determine a written source of the theological program of the ceiling and have questioned whether or not it was entirely devised by the artist himself, who was both an avid reader of the Bible and a genius. [39] Also of interest to some modern scholars is the question of how Michelangelo's own spiritual and psychological state is reflected in the iconography and the expression of the ceiling. One such speculation is that Michelangelo was tormented by conflict between his homosexuality and "his profound, almost mystical Catholicism." [ cita necesaria ] [d]

Michelangelo probably began working on the plans and cartoons for the design from April 1508. [40] The preparatory work on the ceiling was complete in late July the same year and on 4 February 1510 Francesco Albertini recorded Michelangelo had "decorated the upper, arched part with very beautiful pictures and gold". [40] The main design was largely finished in August 1510, as Michelangelo's texts suggest. [40] From September 1510 until February, June, or September 1511 Michelangelo did no work on the ceiling on account of a dispute over payments for work done in August 1510 the Pope left Rome for the Papal States' campaign to reconquer Bologna and despite two visits there by Michelangelo resolution only came months after the Pope's return to Rome in June 1511. On 14 August 1511, Pope Julius held a papal mass in the Chapel and saw the progress of the work so far for the first time. [40] This was the vigil for Assumption Day on 15 August, the patronal feast on the Sistine Chapel. [40] The whole design was revealed to visitors on 31 October 1512 with a formal papal mass the following day, the feast of All Saints. [41] Clerical use of the Chapel continued throughout, exempting when the work on the scaffolding necessitated its closure, and disruption to the rites was minimized by beginning the work at the west end, furthest from the liturgical centre around the altar at the east wall. [40] Debate exists on what sequence the parts of the ceiling were painted in and over how the scaffold that allowed the artists to reach the ceiling was arranged. There are two main proposals.

The majority theory is that the ceiling's main frescoes were applied and painted in phases, with the scaffolding each time dismantled and moved to another part of the room, beginning at the Chapel's west end. [41] The first phase, including the central life of Noah, was completed in September 1509 and the scaffolding removed – only then were the scenes visible from the floor level. [41] The next phase, in the middle of the Chapel, completed the Creation of Eve y el Fall and Expulsion from Paradise. los Cumaean Sibyl y Ezequiel were also painted in this phase. [41] Michelangelo painted the figures at a larger scale than in the previous section this is attributed to the artist's ability to effectively judge the foreshortening and composition from ground level for the first time. [41] The figures of the third phase, at the east end, were at still grander scale than the second the Creación de Adán and the other Creation panels were finished at this stage, which took take place in 1511. [41] The lunettes above the windows were painted last, using a small movable scaffold. [41] In this scheme, proposed by Johannes Wilde, the vault's first and second registers, above and below the fictive architectural cornice, were painted together in stages as the scaffolding moved eastwards, with a stylistic and chronological break westwards and eastwards of the Creation of Eve. [40] After the central vault the main scaffold was replaced by a smaller contraction that allowed the painting of the lunettes, window vaults, and pendentives. [41] This view supplanted an older view that the central vault formed the first part of the work and was completed before work began on the other parts of Michelangelo's plan. [40]

Another theory is that the scaffolding must have spanned the entire Chapel for years at a time. [40] To remove the existing decoration of the ceiling, the entire area had to be accessible for workmen to chisel away the starry sky fresco before any new work was done. [40] On 10 June 1508 the cardinals complained of the intolerable dust and noise generated by the work by 27 July 1508 the process was complete and the corner spandrels of the Chapel had been converted into the doubled-spandrel triangular pendentives of the finished design. [40] Then the frame of the new designs had to be marked out on the surface when frescoeing began this too demanded access to the whole ceiling. [40] This thesis is supported by the discovery during the modern restoration of the exact numbers of the giornate employed in the frescoes if the ceiling was painted in two stages, the first spanning two years and extending to the Creation of Eve and the second lasting just one year, then Michelangelo would have to have painted 270 giornate in the one-year second phase, compared with 300 painted in the first two years, which is scarcely possible. [40] By contrast, if the ceiling's first register – with the nine scenes on rectangular fields, the medallions, and the ignudi – was painted in the first two years, and in the second phase Michelangelo painted only their border in the second register, with the Profetas y Sibyls, entonces el giornate finished in each year are divided almost equally. [40] Ulrich Pfisterer, advancing this theory, interprets Albertini's remark on "the upper, arched part with very beautiful pictures and gold" in February 1510 as referring only to upper part of the vault – the first register with its nine picture fields, its ignudi, and its medallions embellished with gold – and not to the vault as a whole, since the fictive architectural attic with its prophets and prophetesses were yet to be started. [40]

The scaffolding needed to protect the Chapel's existing wall frescoes and other decorations from falling debris and allow the religious services to continue below, but also to allow in air and some light from the windows below. [40] The Chapel's cornice, running around the room below the lunettes at the springing of the window arches themselves, supported the structure's oblique beams, while the carrying beams were set into the wall above the cornice using putlog holes. [40] This open structure supported catwalks and the movable working platform itself, whose likely stepped design followed the contour of the vault. Beneath was a false-ceiling that protected the Chapel. [40] Though some sun light would have entered the work space between the ceiling and the scaffolding, artificial light would have been required for painting, candlelight possibly influencing the appearance of the vivid colours used. [40]

Michelangelo designed his own scaffold, a flat wooden platform on brackets built out from holes in the wall near the top of the windows, rather than being built up from the floor. Mancinelli speculates that this was in order to cut the cost of timber. [42] According to Michelangelo's pupil and biographer Ascanio Condivi, the brackets and frame that supported the steps and flooring were all put in place at the beginning of the work and a lightweight screen, possibly cloth, was suspended beneath them to catch plaster drips, dust, and splashes of paint. [43] [ página necesaria ] Only half the room was scaffolded at a time and the platform was moved as the painting was done in stages. [42] The areas of the wall covered by the scaffolding still appear as unpainted areas across the bottom of the lunettes. The holes were re-used to hold scaffolding in the latest restoration. [ cita necesaria ]

The entire ceiling is a fresco, which is an ancient method for painting murals that relies upon a chemical reaction between damp lime plaster and water-based pigments to permanently fuse the work into the wall. [44] Michelangelo had been an apprentice in the workshop of Domenico Ghirlandaio, one of the most competent and prolific of Florentine fresco painters, at the time that the latter was employed on a fresco cycle at Santa Maria Novella and whose work was represented on the walls of the Sistine Chapel. [45] [ página necesaria ] At the outset, the plaster, intonaco, began to grow mould because it was too wet. Michelangelo had to remove it and start again. He then tried a new formula created by one of his assistants, Jacopo l'Indaco, which resisted mould and entered the Italian building and fresco tradition. [43] [ página necesaria ]

Because he was painting affresco, the plaster was laid in a new section every day, called a giornata. At the beginning of each session, the edges would be scraped away and a new area laid down. [42] The edges between giornate remain slightly visible thus, they give a good idea of how the work progressed. It was customary for fresco painters to use a full-sized detailed drawing, a cartoon, to transfer a design onto a plaster surface—many frescoes show little holes made with a stiletto, outlining the figures. Here Michelangelo broke with convention once confident the intonaco had been well applied, he drew directly onto the ceiling. His energetic sweeping outlines can be seen scraped into some of the surfaces [ cita necesaria ] , [e] while on others a grid is evident, indicating that he enlarged directly onto the ceiling from a small drawing. [ cita necesaria ]

Michelangelo painted onto the damp plaster using a wash technique to apply broad areas of colour, then as the surface became drier, he revisited these areas with a more linear approach, adding shade and detail with a variety of brushes. For some textured surfaces, such as facial hair and wood-grain, he used a broad brush with bristles as sparse as a comb. He employed all the finest workshop methods and best innovations, combining them with a diversity of brushwork and breadth of skill far exceeding that of the meticulous Ghirlandaio [ cita necesaria ]. [f]

The work commenced at the end of the building furthest from the altar, with the latest of the narrative scenes, and progressed towards the altar with the scenes of the Creation. [23] [ página necesaria ] The first three scenes, from The Drunkenness of Noah, contain smaller figures than the later panels. This is partly because of the subject matter, which deals with the fate of Humanity, but also because Michelangelo underestimated the ceiling's scale. [34] [46] Also painted in the early stages was the Slaying of Goliath. [47] After painting the Creation of Eve adjacent to the marble screen which divided the chapel, [g] Michelangelo paused in his work to move the scaffolding to the other side. After having seen his completed work so far, he returned to work with the Temptation and Fall, followed by the Creación de Adán. [48] [46] As the scale of the work got larger, Michelangelo's style became broader the final narrative scene of God in the act of creation was painted in a single day. [49]

The bright colours and broad, cleanly defined outlines make each subject easily visible from the floor. Despite the height of the ceiling, the proportions of the Creación de Adán are such that when standing beneath it, "it appears as if the viewer could simply raise a finger and meet those of God and Adam". [ cita necesaria ] Vasari tells us that the ceiling is "unfinished", that its unveiling occurred before it could be reworked with gold leaf and vivid blue lapis lazuli as was customary with frescoes and in order to better link the ceiling with the walls below, which were highlighted with a great deal of gold. But this never took place, in part because Michelangelo was reluctant to set up the scaffolding again, and probably also because the gold and particularly the intense blue would have distracted from his painterly conception. [27] [ página necesaria ] Michelangelo's patron and the ceiling's commissioner, Pope Julius II, died only months after the ceiling's completion, in February 1513. [41]

According to Vasari and Condivi, Michelangelo painted in a standing position, not lying on his back, as another biographer Paolo Giovio imagined. [50] Vasari wrote: "The work was carried out in extremely uncomfortable conditions, from his having to work with his head tilted upwards". [27] Michelangelo may have described his physical discomfort in a poem, accompanied by a sketch in the margin, which was probably addressed to the humanist academician Giovanni di Benedetto da Pistoia, a friend with whom Michelangelo corresponded. [50] Leonard Barkan compared the posture of Michelangelo's marginalia self-portrait to the Roman sculptures of Marsyas Bound in the Uffizi Gallery Barkan further connects the flayed Marsyas with Michelangelo's purported self-portrait decades later on the flayed skin of St Bartholomew in his Last Judgement but cautions that there is no certainty the sketch represents the process of painting the Chapel ceiling. [51] Michelangelo wrote his poem "I' ho già fatto un gozzo" describing the arduous conditions under which he worked the manuscript is illustrated with a sketch – likely of the poet painting the ceiling:


Ceiling of the Sistine Chapel

To any visitor of Michelangelo’s Sistine Chapel, two features become immediately and undeniably apparent: 1) the ceiling is really high up, and 2) there are a lot of paintings up there. Because of this, the centuries have handed down to us an image of Michelangelo lying on his back, wiping sweat and plaster from his eyes as he toiled away year after year, suspended hundreds of feet in the air, begrudgingly completing a commission that he never wanted to accept in the first place.

Fortunately for Michelangelo, this is probably not true. But that does nothing to lessen the fact that the frescoes, which take up the entirety of the vault, are among the most important paintings in the world.

Michelangelo, Ceiling of the Sistine Chapel, 1508-1512, fresco (Vatican City, Rome)

For Pope Julius II

Reconstruction of the Sistine Chapel prior to Michelangelo’s frescoes (photo: public domain)

Michelangelo began to work on the frescoes for Pope Julius II in 1508, replacing a blue ceiling dotted with stars. Originally, the pope asked Michelangelo to paint the ceiling with a geometric ornament, and place the twelve apostles in spandrels around the decoration. Michelangelo proposed instead to paint the Old Testament scenes now found on the vault, divided by the fictive architecture that he uses to organize the composition.

Diagram of the subjects of the Sistine Chapel¹

The subject of the frescoes

The narrative begins at the altar and is divided into three sections. In the first three paintings, Michelangelo tells the story of The Creation of the Heavens and Earth this is followed by The Creation of Adam and Eve y el Expulsión del jardín del Edén finally is the story of Noah and the Great Flood.

Ignudi, or nude youths, sit in fictive architecture around these frescoes, and they are accompanied by prophets and sibyls (ancient seers who, according to tradition, foretold the coming of Christ) in the spandrels. In the four corners of the room, in the pendentives, one finds scenes depicting the Salvation of Israel.

Michelangelo, La creación de Adán, Ceiling of the Sistine Chapel, 1508-1512, fresco (Vatican City, Rome)

The Deluge

Although the most famous of these frescoes is without a doubt, La creación de Adán, reproductions of which have become ubiquitous in modern culture for its dramatic positioning of the two monumental figures reaching towards each other, not all of the frescoes are painted in this style. In fact, the first frescoes Michelangelo painted contain multiple figures, much smaller in size, engaged in complex narratives. This can best be exemplified by his painting of The Deluge.

Michelangelo, The Deluge, Ceiling of the Sistine Chapel, 1508-1512, fresco (Vatican City, Rome)

Detail, Michelangelo, The Deluge, Ceiling of the Sistine Chapel, 1508-1512, fresco (Vatican City, Rome)

In this fresco, Michelangelo has used the physical space of the water and the sky to separate four distinct parts of the narrative. On the right side of the painting, a cluster of people seeks sanctuary from the rain under a makeshift shelter. On the left, even more people climb up the side of a mountain to escape the rising water. Centrally, a small boat is about to capsize because of the unending downpour. And in the background, a team of men work on building the arc—the only hope of salvation.

Michelangelo, Creation scenes, Sistine Chapel Ceiling, 1508-12, fresco (Vatican City, Rome) (photo: Dennis Jarvis)

Up close, this painting confronts the viewer with the desperation of those about to perish in the flood and makes one question God’s justice in wiping out the entire population of the earth, save Noah and his family, because of the sins of the wicked. Unfortunately, from the floor of the chapel, the use of small, tightly grouped figures undermines the emotional content and makes the story harder to follow.

A shift in style

In 1510, Michelangelo took a yearlong break from painting the Sistine Chapel. The frescoes painted after this break are characteristically different from the ones he painted before it, and are emblematic of what we think of when we envision the Sistine Chapel paintings. These are the paintings, like La creación de Adán, where the narratives have been pared down to only the essential figures depicted on a monumental scale. Because of these changes, Michelangelo is able to convey a strong sense of emotionality that can be perceived from the floor of the chapel. Indeed, the imposing figure of God in the three frescoes illustrating the separation of darkness from light and the creation of the heavens and the earth radiates power throughout his body, and his dramatic gesticulations help to tell the story of Genesis without the addition of extraneous detail.

The Sibyls

Michelangelo, Delphic Sibyl, Sistine Chapel Ceiling, 1508-12, fresco (Vatican City, Rome)

This new monumentality can also be felt in the figures of the sibyls and prophets in the spandrels surrounding the vault, which some believe are all based on the Belvedere Torso, an ancient sculpture that was then, and remains, in the Vatican’s collection. One of the most celebrated of these figures is the Delphic Sibyl (left).

The overall circular composition of the body, which echoes the contours of her fictive architectural setting, adds to the sense of the sculptural weight of the figure.

Her arms are powerful, the heft of her body imposing, and both her left elbow and knee come into the viewer’s space. At the same time, Michelangelo imbued the Delphic Sibyl with grace and harmony of proportion, and her watchful expression, as well as the position of the left arm and right hand, is reminiscent of the artist’s David.

Michelangelo, Libyan Sibyl, Sistine Chapel Ceiling, 1508-12, fresco (Vatican City, Rome)

The Libyan Sibyl (left) is also exemplary. Although she is in a contorted position that would be nearly impossible for an actual person to hold, Michelangelo nonetheless executes her with a sprezzatura (a deceptive ease) that will become typical of the Mannerists who closely modelled their work on his.

Heraclitus, whose features are based on Michelangelo’s and his seated pose is based on the prophets and sibyls from Michelangelo’s frescoes on the Sistine Chapel Ceiling (detail), Raphael, School of Athens, 1509-11, Stanza della Segnatura (Vatican City, Rome)

It is no wonder that Raphael, struck by the genius of the Sistine Chapel, rushed back to his School of Athens in the Vatican Stanze and inserted Michelangelo’s weighty, monumental likeness sitting at the bottom of the steps of the school.

Legado

Michelangelo completed the Sistine Chapel in 1512. Its importance in the history of art cannot be overstated. It turned into a veritable academy for young painters, a position that was cemented when Michelangelo returned to the chapel twenty years later to execute the Last Judgment fresco on the altar wall.

The chapel recently underwent a controversial cleaning, which has once again brought to light Michelangelo’s jewel-like palette, his mastery of chiaroscuro, and additional iconological details which continue to captivate modern viewers even five hundred years after the frescoes’ original completion. Not bad for an artist who insisted he was not a painter.

1.The diagram neglects the subject of the four corner paintings indicated in lavender. The four scenes represent the salvation of the Jewish people.


DAY IN HISTORY: Sistine Chapel ceiling open to public

THE world's most famous neck crinker - the ceiling of the Sistine Chapel - was first exhibited to the public on this day in 1512.

Famed Italian artist Michelangelo began construction on the multiple works that cover the ceiling after he was commissioned by Pope Julius II in 1508.

Michelangelo, the greatest of the Italian Renaissance artists, was already a celebrated sculpture in such works as the Pieta (1498) and David (1504) when he undertook the project.

Central to his master plan of frescoes were nine panels devoted to biblical history, with the most famous of these being The Creation of Adam, a painting that depicts God and Adam stretching out to each other.

The work was an intense undertaking with Michelangelo enduring long hours and "uncomfortable conditions".

However, the laborious work proved inspiring: Michelangelo designing his own scaffold to help him complete the project.

And after four years, complete it he did, with a total of 343 painted figures staring down from up high, recalling the story of religion.

Now, the chapel and its famed ceiling is one of the most visited locations in the world with some six million people craning their necks every year.


It was called a “sin,” a “stew of nudes” that could “weaken the faith of others.” In the years following the debut of Michelangelo’s Sistine Chapel paintings in the mid-1500s, a torrent of complaints about the works’ rampant, joyful nudity rocked the global Catholic Church.

The criticism — from patrons, critics and even popes — may sound like the last gasps of Medieval prudishness, but to Vatican Museums art historian Elizabeth Lev (TED Talk: The unheard story behind the Sistine Chapel), the Sistine Chapel scandal marked a new era of viral opinion-making, powered by Europe’s growing crop of printing presses. And like the latest “hot take” from the TV news, these reactions were often shaped by an echo chamber of critics. The unveiling of the artwork of the Sistine Chapel, Lev says, has all the familiar beats of the modern-day social media scandal.

Radical ideas spread during combustible times. The unveiling took place against the backdrop of the Reformation, when Protestant reformers were lambasting the Vatican as a “den of iniquity.” Within the Papal Court, there was a group of austere clergymen known as the Theatines, who were quite sensitive to Protestant critiques. To them, Michelangelo’s nudes had the makings of a PR disaster. “They just see a wall of naked bodies,” Lev says. They were countered by avant-garde clergymen, such as cardinals Cunaro and Medici, who hailed the painting as the height of religious art. “So it’s like two different PR strategies,” Lev says. “One says: ‘We need the more austere, modest outlook,’ and the other one says, ‘No! We’ve got to make things look great and fun and beautiful and heroic. We’ve got to get people psyched.’” It was a debate too inflammatory to contain within the confines of the Vatican, Lev says. “What happened next is of course the reaction exploded, because the printing press allowed many people to see it instead of only a few.”

One artful critic can inflame a continent. “The guy who really gets all of this started,” says Lev, “he’s quite the troublemaker, is a man named Pietro Aretino. He’s got a great turn of phrase, he’s funny.” Aretino could also be downright ferocious in his critique of Michelangelo’s los Juicio final wall fresco, writing that it “makes such a genuine spectacle out of both the lack of decorum in the martyrs and the virgins, and the gesture of the man grabbed by his genitals, that even in a brothel, these eyes would shut so as not to see it. It would be less of a sin for you not to believe than by believing in this manner, to weaken the faith of others.” Incidentally, Aretino had his own kinks, Lev says. “Aretino is a famous, and I mean famous, writer of pornography.”

Michelangelo was not painting for the public. Indeed, there was no public entrance to the Sistine Chapel. Access was restricted to the crème de la crème of the Papal Court. When Michelangelo unveiled El Juicio Final , in 1541, his audience numbered little more than 500 clergy. Their reactions ranged from ecstatic to appalled. “The work is of such beauty,” wrote one eyewitness, an agent to the Cardinal Gonzaga of Mantua, “that Your Excellency can imagine that there is no lack of those who condemn it.” It was an understatement.

Artists defy the norms at their own risk. " Michelangelo’s shocker was to take the saints and the martyrs and remove their clothes,” Lev says. A nude saint here and there was not unheard of in the annals of art history, particularly for saints who disrobed in an act of penitence. But the figures in Michelangelo’s painting looked anything but ashamed. “These figures revel in their bodies,” Lev says. “They hug and they embrace and they flex and they pose. They’re not going, ‘Oh my goodness, it’s so uncomfortable, all these muscles.’ They love their bodies, you can tell.” Compared with traditional depictions of El Juicio Final, where nude mortals were quaking before their fully clothed superiors, Michelangelo exposed flesh where viewers least expected it. “So that’s a very, very, strange image,” Lev says.

Amid the storm of censoriousness, opportunists strike. Aretino’s early critique prompted an outpouring of criticism from Michelangelo’s fellow artists, who see an opportunity to build their own careers. “So the snowball starts with a guy who’s very, very angry. He gets a friend of his to write what garbage this is, and then his friend to start writing, and then the next thing you know, you have a whole bunch of other people who who were sort of joining in and trying to make their reputations by damaging Michelangelo’s,” Lev says. “Which is a very human and normal thing that people do.”

A sly response to all would-be censors. It seems Michelangelo weathered the scandal in silence. At least there’s no record of his response in the printed materials from that period, though he did use his painting to take a subtle strike at one of his critics, the papal courtier Biagio da Cesena. “We see Michelangelo lose his temper for a second and paint in the guy at Minos the judge of Hell.” The demon is depicted with its tail wrapped twice around Cesena. “So if you have the tail wrapped around your waist twice, it means you’re going to Hell for being lustful, and doesn’t that suggest to you that what Michelangelo was proposing is that if you look at this painting and all you can see are naked bodies, and all you can see is pornography, the problem is you, not me?”

Sobre el Autor

Dan Kedmey is a staff writer at TED, dedicated to covering any idea worth spreading. He previously wrote about business and technology for TIME Magazine. Dan has a Master's degree in literary reportage from New York University and a Bachelor's in economics from Carleton College.


Sobre el 1 st of November 1512, the ceiling of the Sistine Chapel was first unveiled for public view. Michelangelo, and his five assistants, worked on this gigantic artistic enterprise for about four years, yet they managed to include three hundred and thirty-six figures on this 40.5-metre long and 14-metre wide ceiling. According to certain mathematical calculations, Michelangelo and his team spent on average four and a half days on each figure. It is probably nothing in comparison to the pace in which God created the World, but in artistic terms only a true genius could achieve a similar effect in such a short period of time.

At the time when Michelangelo was offered the job by Pope Julius II, he was not an eager practitioner of painting. He much preferred sculpture and was hoping that he would be allowed to work on the Pope’s tomb instead. However, the intention of the Pope was clear – even though the walls of the chapel had been already covered with frescos by such noble painters as Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio, Signorelli or Cosimo Rosselli, he wanted a ceiling that would captivate the interest of the elites and officials of the Papal Chapel, who would normally spend hours sitting there during masses and official gatherings. The contract was signed on the 10 th of May 1508, and within two months from signing the work on the ceiling officially begun.

The most famous scene on the Sistine Chapel ceiling is probably the creation of Adam. And the major focus in this scene has been directed at Adam and God’s symbolic gesture. It is a unique moment of Adam’s contact with God or, as it also could be interpreted, the moment of Adam’s separation from him – very significant indeed. Yet, on closer inspection one can notice that the scene is covered in many mysterious cracks. Sir Hubert von Herkomer, in his book My School and My Gospel , provides a partial explanation on the origin of these cracks:

It is difficult to say whether Michelangelo’s trick was intended to discourage the Pope from continuing with the work on the ceiling or was it rather the artist’s mere caprice. It is actually possible that Michelangelo was trying to simply disguise the fact that the ceiling was prone to damage. “Vatican records had revealed, that in the spring of 1504 there had been a massive structural collapse in the great chapel which Sixtus IV, “an old man in a hurry”, had thrown up in such an un-Renaissance haste between 1477 and 1483. The collapse in the structure of the Sistine Chapel in 1504 caused a great crack to appear in the ceiling.” (Waldemar Januszczak, Sayonara, Michelangelo: Sistine Chapel Restored and Repackaged ). Later on Michelangelo’s cracks became very useful in masking the effects of the seventeenth century explosion of a powder-magazine within the walls of the Vatican, which caused the fall of a large portion of plaster above the Delphic Sibyl and a loss of one of the smaller figures.

However we may look at it now, it is undeniable that these cracks have become an important element of the Sistine Chapel ceiling. It is hard to imagine it without them. And if they were to convey a hidden meaning, then we could look at them in a more metaphoric way as a depiction of human faults, for it does not matter how close to God we were at the moment of creation, the fact is that we were only made in his image.


Sistine Chapel exhibit comes to Mall of America

From left, Dave and Jackie Krenske of Divine Mercy in Faribault view a reproduction of a fresco called “The Creation of Adam” Nov. 15 at Michelangelo’s Sistine Chapel Exhibition at the Mall of America in Bloomington. DAVE HRBACEK | THE CATHOLIC SPIRIT

The internationally acclaimed Michelangelo’s Sistine Chapel Exhibition opened to the general public Nov. 13 at the Mall of America in Bloomington. Visitors to the second level of the north atrium are able to see 34 life-size reproductions of the ceiling frescoes that adorn the Vatican’s Sistine Chapel.

The exhibit includes all of Michelangelo’s work s displayed on the ceiling of the Sistine Chapel, from his famous fresco, “The Creation of Adam,” all the way to the “Last Judgment,” which was completed in 1541 as part of an altar wall redesign.

Designed to give people a closer look than they could get at the Sistine Chapel, the exhibit, consisting of images put on large panels up to 41 feet by 41 feet, has been traveling over the last five years to cities across the U.S. and countries around the world, including Canada (where it premiered in July 2015), China , Poland, Germany, Austria, Panama and Columbia. It will remain at the Mall of America through at least Jan. 31, possibly longer depending on demand.

“I’ve always wanted to see the Sistine Chapel, but knew we probably wouldn’t get there,” said Jackie Krenske of Divine Mercy in Faribault, who visited the Mall of America Nov. 15 with her husband, Dave . “So, we just thought this would be a real good way of being able to see it. It’s great.”

SEE Global Entertainment in Los Angeles produced the exhibit. SEE’s CEO , Martin Biallas , visited the Mall of America to see the exhibit there, which opened Nov. 13.

“What excites me the most is that we reach not only Catholic people, we also reach all people of faith,” said Biallas , who is Lutheran. “Of course, it’s a religious theme, but it (also) reaches the art fans, the history fans (and) all the different faiths.”

Another exhibition is open in St. Louis, and one is opening in Phoenix Nov. 20, with future stops planned in Chicago, Philadelphia, Atlanta, Albuquerque, New Mexico, Tampa, Florida, and Grand Rapids, Michigan, in 2021. The exhibit generally stays at one location for two to three months, Biallas said. So far, he said, the response has been strong.

“They all love it,” he said. “For example, at the World Trade Center (in New York City), we had over 300,000 people.”

Cost to visit the exhibit is $19 for adults, $14 for seniors, members of the military and college students, and free for children 6 and under. Visitors can buy tickets in advance or at the door. The exhibit will follow safety protocols for in-person events established by the Center s for Disease Control and Prevention , the Minnesota Department of Health and the Mall of America. Guests will be asked to follow social distancing requirements, and a maximum of 85 people will be allowed in the exhibition at one time.

“We are thrilled to bring this exhibit to Mall of America for guests to enjoy a safe and immersive exhibit experience,” said Jill Renslow , e xecutive v ice p resident of Mall of America. “This exhibit will provide a unique, cultural opportunity for Mall of America visitors of all ages throughout the holiday season.”


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